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Quotidiano di informazione – Anno 31 n° 344

Posts Tagged ‘contemporaneo’

Un gioiello contemporaneo ricco di valore artistico e di contenuti simbolici

Posted by fidest press agency su sabato, 6 luglio 2019

Los Angeles. Yvone Christa, firma internazionale del bijou d’autore, nasce qui, dall’estro delle due stiliste svedesi Yvonne Clamf e Christina Söderström. Dai loro nomi di battesimo creano un brand che conosce il successo immediato quando uno sceneggiatore cinematografico rimane coinvolto dal fascino delle loro prime collezioni e chiede alle due designer di farle indossare alle star di due grandi serie tv: “Beverly Hills” e “Melrose Place”.
L’amore per l’arte, la passione per la moda, il design e l’architettura danno vita a una linea di gioielli unica che conquistò subito gli States, vetrina cult di tutte le nuove tendenze. Ogni singolo pezzo viene creato a mano secondo l’antica tecnica della filigrana veneziana, i sottili fili d’argento vengono modellati su forme esclusive e trattati con una finitura particolare che dona al gioiello una patina antica.La grande sensibilità delle designer sta nel calibrare le forme per realizzare gioielli leggeri dal gusto un po’ rétro e iperfemminili. Con l’ausilio di perle, pietre semipreziose e zirconi vengono creati monili dalle mille sfumature.La natura, in tutte le sue forme è ricca fonte d’ispirazione: la perfezione di una rosa, di un’orchidea, di un tulipano. Di un petalo o di uno stelo, ma anche gli insetti, le gocce di rugiada o le nuvole. Tutto ciò che colpisce l’occhio sensibile e attento delle designer viene tradotto in un linguaggio di sottili fili d’argento.Le creazioni di YVONE CHRISTA hanno conquistato stelle di prima grandezza. Attrici, artisti, top models, politici, persino reali. Lo stile della griffe newyorchese ha fatto ormai il giro del mondo… Le designer hanno fatto anche collaborazioni con importanti musei d’arte internazionali. Il National Museum di Stoccolma, commissionò a Yvone Christa la collezione “The Butter Cup” in occasione di una mostra sui gioielli degli Zar di Russia. La National Gallery of Art di Washington D.C. incaricò il duo di realizzare la collezione “Forget Me Not” su ispirazione di un dipinto di Van Huysum. I gioielli di Yvone Christa sono in vendita presso le boutique di diversi musei d’arte.
Il mito di un’artista inconfondibile stimola la creatività delle stiliste di Manhattan che, nel 2002, disegnano una linea di accessori gioiello che diventa nel tempo una vera e propria icona della “costume jewellery’” è l’affascinante Frida Kahlo Collection, che offre colori, sentimenti, emozioni di quello stile di vita della Grande Mela Anni ’40 che ha segnato il percorso artistico della pittrice. I grandi orecchini bohémien, cult della collezione, sono espressione del carattere femminile, sintesi di una donna che sa imporre la propria personalità. Forme leggere e filigrana lavorata ad arte, la margherita in fiore, la mezzaluna intarsiata e la pioggia di vibranti pietre e perle colorate inquadrano, tra tradizione e innovazione, un gioiello contemporaneo ricco di valore artistico ma soprattutto di valori simbolici. Per quella donna firmata Yvone Christa NY che non sfiorisce mai… http://www.yvonechrista.com

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L’urgenza come criterio metodologico del contemporaneo

Posted by fidest press agency su giovedì, 9 Mag 2019

Roma venerdì 10 maggio, alle 9.00 Università Europea di Roma in via degli Aldobrandeschi 190 prosegue il ciclo seminariale interdisciplinare “L’urgenza come criterio metodologico del contemporaneo”, organizzato dall’Ufficio di Formazione Integrale dell’Università Europea di Roma. Questo progetto prende avvio da un’attenta lettura del contemporaneo che lascia emergere chiaramente come l’urgenza sembra imporsi, in tutti campi del sapere e dell’agire, quale unico e totalizzante criterio metodologico, rispondente alle necessità derivanti tanto dal fisiologico stato di crisi connaturato agli attuali modelli economici quanto dalla trasformazione tecnologica.
Gli incontri all’Università Europea di Roma (UER) rappresentano pertanto un momento di confronto e approfondimento rivolto a studenti e professionisti accomunati dalla condivisione di valori e visione antropologica, al fine di interrogarli in merito a problemi contemporanei indagati con un approccio interdisciplinare tra saperi teleologicamente orientati al bene e ben-essere di tutto l’uomo, di ogni uomo. Dopo un primo incontro introduttivo del ciclo tenuto lo scorso venerdì 8 marzo e i seminari degli ambiti di Storia e Filosofia, Psicologia e Scienze della Formazione Primaria, Venerdì 10 maggio 2019 sarà il momento di approfondire il tema dell’urgenza in rapporto alla regolazione giuridica per indagare la selezione e il bilanciamento tra scelte politiche e legislative. L’incontro sarà aperto alle 9.00 dai saluti del Prof. Emanuele Bilotti, Coordinatore del Corso di Laurea Magistrale in Giurisprudenza UER, e del Prof. Guido Traversa, Delegato del Rettore per la Formazione Integrale UER, seguiranno le relazioni del Prof. Felice Testa in materia di Diritto del Lavoro e della Previdenza sociale, del Prof. Filippo Vari in materia di Diritto Costituzionale e del Prof. Aniello Merone in materia di Diritto Processuale Civile. Introdurranno il dibattito gli interventi programmati dei dottorandi: Dott. Nico Marra, Dott.ssa Chiara Palmisciano e Dott. Francesco Giacchi.

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“L’urgenza come criterio metodologico del contemporaneo”

Posted by fidest press agency su lunedì, 8 aprile 2019

E’ il tema del ciclo seminariale organizzato dall’Ufficio Formazione Integrale dell’Università Europea di Roma (UER) in via degli Aldobrandeschi 190. Dopo un primo incontro interdisciplinare tenuto lo scorso venerdì 8 marzo, dal 9 all’11 Aprile 2019 prosegue la lettura del contemporaneo che lascia emergere come l’urgenza sembra imporsi, in tutti campi del sapere e dell’agire, quale unico e totalizzante criterio metodologico, rispondente alle necessità derivanti tanto dal fisiologico stato di crisi connaturato agli attuali modelli economici quanto dalla trasformazione tecnologica. Si apre così il secondo momento di riflessione che vedrà impegnati i singoli ambiti disciplinari nell’analisi di alcuni aspetti patologici che l’urgenza determina in ciascuno di essi.
Martedì 9 aprile (Ore 9.00 -13.30) sarà la volta dell’ambito di Storia e Filosofia con “L’innovazione sfida l’etica. Tempo noetico e tempo spazializzato”. Interverranno: il Prof. Guido Traversa (UER – Ateneo Pontificio Regina Apostolorum), il Prof. Mario Pollo (già LUMSA), il Prof. Luigi Russo (UER) e il Prof. Gianluca Casagrande (UER).
Mercoledì 10 aprile (Ore 9.00 -13.30) si ritroverà l’ambito di Psicologia con “La Tecnologizzazione della cura. Nuovi strumenti terapeutici e di riabilitazione”. Interverranno” il Prof. Tonino Cantelmi (UER), il Dott. Roberto Malinconico (Psicologo e Psicoterapeuta) e la Prof.ssa Stella Tamburello (Psicologa, Psicoterapeuta – Istituto Skinner Roma).
Giovedì 11 aprile (Ore 9.00 -13.30) conclude la settimana di studio la riflessione affrontata dall’ambito di Scienze della Formazione Primaria con “Alfabetizzazione e inclusione tecnologica. Armonizzazione della conoscenza e trasformazione delle coscienze”. Interverranno: la Prof.ssa Susy Zanardo (UER), il Prof. Mario Pollo (già LUMSA) la Prof.ssa Rebecca Honorati (UER) e la Dott.ssa Fiorella D’Ambrosio (UER).
Saranno momenti di confronto e approfondimento rivolti a studenti e professionisti accomunati dalla condivisione di valori e visione antropologica, al fine di interrogarli in merito a problemi contemporanei indagati con un approccio interdisciplinare tra saperi teleologicamente orientati al bene e ben-essere di tutto l’uomo, di ogni uomo.

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L’urgenza come criterio metodologico del contemporaneo

Posted by fidest press agency su lunedì, 4 marzo 2019

Roma venerdì 8 marzo 2019, alle 9:00, presso l’ateneo in via degli Aldobrandeschi 190 organizzato dall’Ufficio Formazione Integrale dell’Università Europea di Roma, si terrà un incontro su: “L’urgenza come criterio metodologico del contemporaneo.” Questo progetto prende avvio da un’attenta lettura del contemporaneo che lascia emergere chiaramente come l’urgenza sembra imporsi, in tutti campi del sapere e dell’agire, quale unico e totalizzante criterio metodologico, rispondente alle necessità derivanti tanto dal fisiologico stato di crisi connaturato agli attuali modelli economici quanto dalla trasformazione tecnologica.
Emergono così gli aspetti patologici quali ad esempio le fake news, la trasformazione delle coscienze e la creazione di falsi bisogni nonché l’utilizzo di modelli organizzativi e normativi che danno risposte definitive a problemi contingenti, rispondendo solo con piani di breve se non brevissimo periodo.
Sarà un momento di confronto e approfondimento rivolto a studenti e professionisti accomunati dalla condivisione di valori e visione antropologica, al fine di interrogarli in merito a problemi contemporanei indagati con un approccio interdisciplinare tra saperi teleologicamente orientati al bene e ben-essere di tutto l’uomo, di ogni uomo.
L’incontro all’Università Europea di Roma (UER) sarà aperto alle 9:00 da un saluto del Rettore Padre Pedro Barrajón LC, del Pro-Rettore Alberto Gambino e di Padre Gonzalo Monzón LC, Direttore dell’Ufficio Formazione Integrale.Introduce e modera Guido Traversa, Delegato del Rettore per la Formazione Integrale UER.
Dalle 10.00 alle 15.30 interverranno Felice Testa (UER), Luigi Russo (UER), Claudio Bonito (UER e Ateneo Pontificio Regina Apostolorum), Gianfranco Buffardi (Psichiatra), Mariantonietta Fabbricatore (UER), Guido Traficante (UER), Domenico Melidoro (LUISS) e Gabriele Guzzi (Rethinking Economics). Seguirà, alle 15.30, un dibattito; conclusioni alle 16.30. Ingresso libero.

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Dall’ Astrazione al Figurativo Contemporaneo

Posted by fidest press agency su lunedì, 7 gennaio 2019

Roma martedì 22 gennaio, fino al 4 febbraio 2019 presso la Galleria Angelica, via di S. Agostino, 11 si inaugura la mostra di pittura con l’artista Adriana Pignataro e di scultura dell’artista Annamaria Polidori, nell’ambito del progetto Dall’ Astrazione al Figurativo Contemporaneo elaborato dalle stesse artiste. La mostra personale di Adriana Pignataro è a cura di Antonietta Campilongo.
La mostra di Adriana Pignataro, s’inserisce nell’ambito del progetto Dall’ Astrazione al Figurativo Contemporaneo che vede la partecipazione di un’altra artista, la scultrice Annamaria Polidori, due artiste italiane che si stanno distinguendo per la singolarità concettuale che è alla base della loro produzione artistica. La mostra della Pignataro propone opere di medio e grande formato – alcune delle quali sono state esposte in prestigiose mostre internazionali. Hanno scritto di lei: Claudio Strinati – Giorgio Bonomi
Testi tratti dal catalogo: Adriana Pignataro Percorsi artistici e testi critici – Gangemi Editore – 2016 Così ha scritto Claudio Strinati: “ (…) “La Pignataro è tutta orientata verso una dimensione astraente dove il tema dell’equilibrio è determinante come presupposto generale della sua poetica. Risente forse della civiltà del “collage” trasfigurata in una pittura fatta di frammenti, campiture, volumi, spazi che sembrano ereditare il grande filone della “pop” italiana ma con un respiro invero vastissimo che congloba tante diverse esperienze in uno stile e in un sistema di organizzazione dell’immagine in cui il fattore del dualismo è costantemente presente nell’idea di una contrapposizione che è di fatto, fratellanza” (…).
Così ha scritto Giorgio Bonomi: (…) “Le caratteristiche proprie di Adriana Pignataro che, sintetizzando, consistono nel “colore”, nello “strappo”, nel “collage”, nella “composizione spaziale” (…). Il “colore” è un elemento fondamentale, e quello che immediatamente conquista l’occhio dell’osservatore; i colori sono sempre “forti” ma mai “gridati”, mai “buttati” fuori dall’opera, anzi questi sono qui come un “dono”: allora si passa dal bianco e nero pensoso al blu emozionante, dal giallo e terra evocativi al rosso placido, finanche all’oro, prezioso ma non lussuoso” (…) Dopo (…) – il colore, abbiamo lo “strappo”. L’artista toglie pezzi di carta, sempre senza violenza né incontrollata gestualità, per costruire l’immagine anche con quello che c’è “al di là”. (…)
Vernissage: martedì 22 gennaio – dalle h.18.00.00 alle h. 20.30 Orario di apertura mostra: lunedì 8.30 – 16.00 – martedì, mercoledì, giovedì 8.30 – 18.45 – venerdì 8.30 -13.00/17.00 – 19.30 – Sabato 17.00 – 20.00 – Domenica chiuso.

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4° Giornata del Contemporaneo

Posted by fidest press agency su lunedì, 8 ottobre 2018

Roma 12 ottobre 2018 ore 20.30 Palazzo Merulana Via Merulana 121 la Fondazione Elena e Claudio Cerasi presentano, per la 14° Giornata del Contemporaneo, “Baldo Diodato a Palazzo Merulana”, a cura di Michela Becchis. L’artista di fama internazionale presenta alcune sue creazioni attraverso l’allestimento di grandi smerigliati nella Sala Attico di Palazzo Merulana, straordinario spazio di arte e cultura nato dalla dalla sinergia di forze e comunione di intenti della Fondazione Elena e Claudio Cerasi e CoopCulture, e l’esecuzione di tre performance nella serata di venerdì 12 ottobre 2018. La performance del 12 ottobre prevede l’istallazione, sull’area pedonale di Via Merulana prospiciente l’ingresso del Palazzo, di lastre di rame sulle quali si imprimerebbero le orme dei passanti, nonché i colpi di martello dell’artista e dei partecipanti alla performance; la realizzazione sarà accompagnata da una sonorizzazione del Maestro Antonio Caggiano coadiuvato dai giovani e talentuosi percussionisti dell’Ars Ludi Lab. Senza interruzione, in immediata successione, nella Sala Attico sarà montata l’opera La Cella di Via Tasso, anch’essa accompagnata dall’esecuzione di un live set di Eugenio Scrivano. L’ultima performance si svolgerà sulla terrazza del Palazzo: un frottage di pigmenti colorati su tela “distribuiti” dai passi del pubblico e riverberati dalle risonanze del vibrafono di Antonio Caggiano e della chitarra elettrica di Sergio Sorrentino. Nell’occasione verrà presentato il brano di Gavin Bryars “Extra Time” (2018, prima romana) che l’importante compositore inglese ha dedicato al duo Caggiano/Sorrentino. I quattro giorni di Baldo Diodato a Palazzo Merulana sono pensati all’interno di un rapporto stretto con la quotidianità e con la storia dentro cui si situa il Palazzo. La performance su strada e quella successiva sulla terrazza rendono visibile e vivo il legame tra “fuori” e “dentro”, tra il nuovo Museo e il territorio che lo accoglie, sulla vivacità e il costante intersecarsi di passi tra i più diversi, lucenti e colorati che l’Esquilino rappresenta e con esso anche la nuova istituzione.

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Mostra: “Uno sguardo nel Contemporaneo delle Marche e Golden Media Marche”

Posted by fidest press agency su mercoledì, 29 novembre 2017

Teatro Politeama di TolentinoTolentino (MC) Sabato 2 Dicembre 2017 alle ore 17.30, presso il Teatro Politeama di Tolentino (MC), recentemente restaurato e portato a nuovo splendore dall’Architetto Michele De Lucchi e dal Dott. Franco Moschini, avrà luogo l’inaugurazione della Mostra “UNO SGUARDO NEL CONTEMPORANEO DELLE MARCHE”, che precederà l’assegnazione del premio giornalistico” GOLDEN MEDIA MARCHE”. Per l’evento del 2 dicembre al Politeama, Il CESMA metterà in mostra le opere donate da vari artisti e, per l’occasione, sarà stampato un catalogo con la presentazione di tutte le opere donate ed una breve bibliografia dell’artista e didascalia dell’opera.
Questa manifestazione è stata concepita dal CESMA (Centro Studi Marche) come oggetto della sua attività e si svolgerà alla presenza degli Artisti Marchigiani premiati a Roma, nell’ambito dei “Marchigiani dell’Anno” e dei giornalisti Marchigiani, autentici depositari del progresso sociale, culturale ed economico di una Nazione, soprattutto quando la loro opera viene svolta con trasparenza e dovere di informazione. L’allestimento della mostra è a cura della bravissima e instancabile Dott.ssa Pina Gentili, con la collaborazione del presidente prof. Massimo Ciambotti .
Il CESMA con sede a Roma è stato fondato nel 1983 con lo scopo di valorizzare le ricchezze culturali della Regione Marche in tutte le sue espressioni: artistiche, letterarie, musicali, scientifiche ed imprenditoriali. Oltre al premio “Golden Media Marche” e alla solenne proclamazione dei “Marchigiani dell’Anno”, che da 32 anni premia i marchigiani che si sono distinti nel mondo dell’arte, dello spettacolo, dello sport e del lavoro, il CESMA organizza incontri e convegni su personaggi illustri della Regione.Tra gli artisti che daranno lustro all’evento, è prevista anche la partecipazione del Maestro Carlo Iacomucci, la cui presenza, è particolarmente gradita, come testimonianza diretta della sua fertile carriera di artista e di incisore. Personaggio eclettico, Iacomucci nella sua pluriennale carriera artistica, si è cimentato in percorsi e stili differenti che hanno avuto, come denominatore comune, la Acquaforte di Carlo Iacomuccitematica del segno attraverso i motivi ricorrenti delle gocce o tracce o segni, che rappresentano la sua inconfondibile impronta In molte sue opere, sono presenti anche personaggi e oggetti (come ad es. l’onnipresente aquilone) che danno dinamismo ai suoi quadri e, allo stesso tempo, esprimono un significato simbolico.
Numerosi e prestigiosi i premi e riconoscimenti che il Maestro Iacomucci ha ricevuto: ha partecipato alla 54° Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia, gli è stata conferita l’onorificenza di Cavaliere dell’Ordine al Merito della Repubblica Italiana per motivi artistici e culturali con decreto del Presidente della Repubblica. Recentemente, ha ricevuto a Roma il premio “Marchigiano dell’anno”, successivamente ha ricevuto il premio “L’Orgoglio Marchigiano” e, ultimo, ma non ultimo, il 2 giugno di quest’anno, è stato insignito del titolo di Ufficiale dell’ Ordine al Merito della Repubblica Italiana.
Tutti questi numerosi riconoscimenti, rendono il Maestro Iacomucci, con le sue opere, il testimonial ideale per portare avanti e mantenere alto il nome delle Marche in Italia e fuori dai confini nazionali.
(Dott.ssa Patrizia Minnozzi) (foto: Teatro Politeama di Tolentino, Acquaforte di Carlo Iacomucci)

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Il ritratto contemporaneo nell’opera di Gabriele e Monastero

Posted by fidest press agency su lunedì, 18 Mag 2015

sposa bambinaFirenze dal 21 maggio al 4 giugno presso Multiverso via del Campo d’Arrigo 42 rosso Vernissage e opening party 21 maggio h. 18:30. Colori intensi, forti contrasti, segni riconoscibili, forme reinventate e volumi espressivi. Volti e ritratti ispirati dalla società in cui viviamo, facce di ieri e di oggi, per raccontare storie di vite. Un caleidoscopio d’immagini in cui i due pittori Diego Gabriele e Andrea Monastero si raccontano e raccontano il loro mondo. Se Emil Cioran parlando della modernità nell’arte affermava di non poter vedere un quadro moderno senza rallegrarsi della scomparsa della faccia, nelle opere di Gabriele e Monastero, artisti tanto diversi quanto simili, il volto è sicuramente l’indiscusso protagonista. La loro ricerca li porta a confrontarsi con quanto di più umano esiste, ad analizzare la persona attraverso la sua rappresentazione, offrendo a chi guarda una sequenza di istantanee postmoderne. La pratica del ritratto trova in questi soggetti un’interpretazione affascinante in cui i volti trasmettono un inedito aspetto del reale.
Quindi nei corpi leggeri e quasi trasparenti di Gabriele risaltano occhi spalancati al centro di grandi volti a cercare l’attenzione dello spettatore, ma con la timidezza un po’ maliziosa delle fanciulle. Mentre il tratto si fa più pesante nei volti di Monastero dove ogni ruga è la dichiarazione di un esistere, un raccontare una vita attraverso le espressioni e i diversi effetti dell’età che caratterizzano un volto umano. Istantanee di soggetti in azione, totalmente immersi nelle loro esistenze ma colti in un istante magico in cui, per un momento, sembrano rendersi conto di essere osservati e si voltano verso lo spettatore regalandoci il loro mistero privato. I due pittori, amici di lunga data, presenteranno anche due nuovi lavori appositamente prodotti per questa mostra, ovvero i reciproci ritratti. Offriranno quindi i loro stessi volti come oggetto e soggetto della loro arte, inseriti in una più ampia dimensione visiva e corale.
Diego Gabriele (1981) ama definirsi un pittore più che un artista, trovando il termine troppo abusato. Espone in collettive internazionali tra cui al Tacheles di Berlino e alla MF Gallery di New York, in Italia gli dedicano molte personali tra cui La Melograno Art Gallery e la MF Gallery di Genova. Nel 2009 viene chiamato a Pitti Immagine per dipingere e disegnare stand per Factory e Tranoi Homme Parigi, mentre crea illustrazioni per una serie di capi di abbigliamento couture. Crea dipinti “full size” per le vetrine del negozio L’Eclaireur a Parigi. È una delle figure più attive del gruppo di artisti “Improponibile” con cui ha collaborato tra gli altri per “Seek Refuge”, un evento parallelo alla Biennale di Architettura di Venezia, e per il Festival della Creatività di Firenze. Realizza il design di immagini destinate a tour musicali in concomitanza con nuove uscite discografiche e collabora con numerose riviste ed editori tra cui Drome, Forno Magazine e Last Gasp.
Andra Monastero (1976) si laurea in scultura all’Accademia di Belle Arti di Lecce. Nel suo percorso artistico risalta la collaborazione con l’artista Puccetto e la partecipazione ad un importante progetto educativo nel Dukajin (Albania). Ha tenuto mostre a Firenze, alla Galleria Grifone di Lecce e ha collaborato ed esposto presso MAD-Meeting Architecture and Design di Campi Salentina (Lecce). Insegna storia dell’arte e disegno in diversi licei ed istituti fiorentini. (foto: sposa bambina)

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Il piacere dell’arte

Posted by fidest press agency su domenica, 25 marzo 2012

Roma Lunedì 26 marzo ore 18.30 Via Nizza 138, Macro – Museo d’Arte Contemporanea Sala Conferenze, ala storica – ingresso libero. Adriana Polveroni e Maria Vittoria Marini Clarelli, direttore della Galleria Nazionale d’Arte Moderna, con Stefano e Raffaella Sciarretta, collezionisti e presidenti della Nomas Foundation di Roma, affrontano il tema del collezionismo così come viene approfondito nel volume Il piacere dell’arte, edito da Johan & Levi, che analizza ad ampio raggio il collezionismo contemporaneo in Italia. «Si è cercato di raccontare il piacere dell’arte, l’avventura che il far crescere una collezione può rappresentare nella vita di un individuo, il percorso di conoscenza, l’interrogazione di sé, la passione accesa e a volte vorace che assorbe molte energie, non solo economiche, il sapere dello sguardo, la voglia di scommettere sul futuro. Possibilità di esistenza che questo fare insito nella natura umana chiamato collezionismo riesce ancora a schiudere». Con queste parole Adriana Polveroni riassume l’intento del libro, che affronta il fenomeno del collezionismo contemporaneo. L’analisi condotta dalle autrici prende avvio tracciando un profilo storico del collezionismo contemporaneo: dagli anni quaranta, quando il fenomeno è essenzialmente espressione della borghesia imprenditoriale milanese, si passa attraverso le esperienze di Roma e Torino e le prime figure di spicco come Giorgio Franchetti, Marcello Levi e Giuseppe Panza di Biumo che hanno connotato gli anni cinquanta-settanta, per arrivare agli anni ottanta, quando il mercato conosce una nuova stagione orientandosi in senso internazionale, e infine agli anni novanta con l’affermazione di collezionisti impegnati ad aprire musei e luoghi di pubblica fruizione.
Le autrici si confrontano successivamente con le caratteristiche più specifiche del collezionare e dei collezionisti: le motivazioni che spingono a raccogliere attorno a sé oggetti d’arte, le scelte metodologiche, la trasformazione impressa alle collezioni dalle nuove modalità espressive dell’arte (in particolare l’arte ambientale e le opere site-specific), le criticità e le modalità filosofiche di approccio al restauro di opere d’arte contemporanea, fino al rapporto tra i collezionisti e le istituzioni, elemento non nuovo ma che negli anni più recenti ha decisamente assunto forme e importanza senza precedenti. Senza dimenticare gli aspetti economico-fiscali e legali che vincolano il mercato italiano rispetto ad altre realtà europee. E se impedimenti burocratici e fiscali frenano il dialogo con le istituzioni e la crescita del mercato, la privatezza del nostro collezionismo ha paradossalmente favorito la nascita di collezioni aperte al pubblico e soprattutto di fondazioni, tratto distintivo della nostra realtà rispetto a quelle straniere. E per dar riscontro alla ricerca si è data voce alle esperienze concrete e agli approcci personali di autorevoli protagonisti del collezionismo contemporaneo italiano quali Giorgio Fasol, Andrea Accornero, Lidia Berlingieri Leopardi, Ernesto Esposito, Volker Feierabend, Vittorio e Nunzia Gaddi, Paolo Palmieri, Claudio Palmigiano.
Adriana Polveroni è giornalista e critica d’arte. Insegna Museologia del contemporaneo presso l’Accademia di Brera di Milano. Ha pubblicato This is contemporary! Come cambiano i musei d’arte contemporanea (2007) e Lo sboom. Il decennio dell’arte pazza tra bolla finanziaria e flop concettuale (2009), oltre a molti altri saggi in volumi collettanei e in cataloghi. Dal 2012 è direttrice di Exibart.
Marianna Agliottone è curatrice e critica d’arte, da tempo svolge attività di consulenza per il collezionismo privato. Ha collaborato con numerose riviste di settore tra cui Arte e Critica e Frieze, attualmente è consulente editoriale per Exibart.

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Sandy Skoglund

Posted by fidest press agency su sabato, 20 novembre 2010

Lucca fino al 30/1/2011 Piano Nobile, Via Elisa, Villa Bottini The Power of the imagination. Nell’ambito del LUCCADigitalPHOTOfest. La mostra di Sandy Skoglund e’una retrospettiva del suo lavoro dagli anni ’80 ad oggi. Una selezione di opere che rappresenta l’impegno dell’artista nel raffigurare la realtà come e’ vissuta dall’immaginario collettivo. La Skoglund non considera il suo lavoro surreale nel senso classico del termine, poiche’, come ella stessa dice, tutta la vita americana contemporanea e’ di per se’ surreale. Viviamo in un mondo in cui e’ raro avere un contatto con la natura nel suo stato primitivo. L’uso di animali e di cibo e’ tipico del simbolismo visuale della Skoglund. Ed e’ proprio l’instancabile ricerca di un linguaggio comune in grado di penetrare nelle coscienze collettive, al di là delle frontiere culturali e linguistiche, che contraddistingue l’opera di Sandy Skoglund. Sandy Skoglund nasce a Weymouth, Massachusetts, nel 1946. Studia arte e storia dell’arte allo Smith College di Northampton, Massachusetts, dal 1964 al 1968. L’anno seguente, frequenta una scuola di specializzazione all’Università’ dello Iowa, dove studia regia, e arti multimediali, conseguendo il Master in Arte nel 1971 e quello in pittura nel 1972 e, in giugno, si trasferisce a New York, dove comincia a lavorare come artista concettuale, occupandosi di una produzione artistica ripetitiva, orientata verso un processo fotomeccanico ottenuto attraverso la tecnica del mark-making e della fotocopia. Alla fine degli anni Settanta, il desiderio di Sandy di documentare il lavoro concettuale la stimola ad apprendere la fotografia. Fonde la fotografia con il suo interesse per la cultura popolare e per l’illustrazione commerciale dando vita a tecniche che portano nel 1978 ad opere di still life di cibo come “Luncheon Meat on a Counter” e “Peas on a Plate”. Nel 1980 la Skoglund realizza sculture di gatti in gesso per un’istallazione post-apocalittica intitolata “Radioactive Cats”. Con questa opera l’artista definisce una propria tecnica creativa ed espositiva in cui integra anche la figura umana. “Radiocative Cats” segna l’inizio della sua produzione di Tableau Photography, una tecnica peculiare che Sandy Skoglund continua ad esplorare tutt’oggi. Dal 1981, quando Revenge of the Goldfish e Radioactive Cats sono stati presentati alla Whitney Biennial Exhibition, Sandy Skoglund ha assunto una posizione di rilievo nella fotografia d’avanguardia. (Image: Sandy Skoglund, Revenge of the goldfish, 1981)

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La pittura tibetana dall’antico al contemporaneo

Posted by fidest press agency su mercoledì, 3 novembre 2010

Milano fino al 4/12/2010 via Gesu’, 17 Renzo Freschi Oriental Art 30 dipinti dal 1400 al 2007 Un’antologia “pittorico-culturale” affascinante sia per i cultori dell’Arte Orientale che per gli appassionati di Pittura Contemporanea. La mostra mette a confronto un gruppo di 20 dipinti antichi con 13 contemporanei.  La sezione di opere antiche e’ costituita da 10 thangka. Questi “rotoli dipinti” su stoffa usati per la preghiera e appesi nei templi come nelle abitazioni private raffigurano soprattutto il Buddha e le numerosissime divinità del pantheon tibetano. Completa questa sezione una collezione di 10 mandala, diagrammi cosmologici che sono anche dei veri e propri percorsi meditativi per raggiungere l’illuminazione.  L’impianto grafico del mandala, composto da triangoli e quadrati inscritti in cerchi, lo ha fatto apprezzare fin dagli anni ’60 dai cultori della pittura moderna proprio per il suo aspetto simbolico e concettuale.  (Immagine: Mandala, XIX secolo, tempera su cotone.)

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Quando la psicoanalisi scende dal lettino

Posted by fidest press agency su giovedì, 14 ottobre 2010

Roma  15 ottobre casa dell’architettura piazza  Manfredo Fanti, 47 e sabato  16 ottobre palazzo Valentini provincia di Roma via IV novembre, 119/a. Le due giornate si propongono di affrontare e di indagare i modi con cui la psicoanalisi rinnova la sua spinta andando verso il sociale e rilanciando la sua capacità di penetrare gli spazi di vita dove prende voce un  sempre più pressante disagio contemporaneo a cui dare risposta. A partire dalla pratica clinica sviluppata all’interno della rete italiana dei Consultori di psicoanalisi applicata e delle Istituzioni di cura che si riferiscono al Campo freudiano, verranno indagate le seguenti tematiche:
1) Il disagio psichico nell’infanzia e nell’adolescenza, il lavoro con i genitori e le Istituzioni;
2) Quando la psicoanalisi scende dal lettino: il Ce.cli e la consultazione clinica psicoanalitica alla prova del sociale;
3) La clinica della parola nei Consultori di psicoanalisi applicata;
4) “I non-luoghi del sintomo: dalla strada a internet”.
Gli interventi teorici esposti nelle tavole rotonde saranno seguiti dalla discussione di casi e frammenti clinici in cui verranno isolati i punti nodali della pratica, quali la domanda e il suo rapporto con il sintomo e la sofferenza; l’importanza della diagnosi, della sua precisione, della sua tempestività. Verranno anche  posti significativi accenti sull’urgenza e sulla gravità, non ultima la questione dei differenti livelli di intervento in gioco nei casi più complessi. Questi e altri temi ancora dove, tra i diversi risvolti, non sarà difficile scorgere uno stesso tratto: e cioè lo spostamento dell’asse della riflessione sul lato dell’inconscio. Uno spostamento preciso, calcolato ma soprattutto orientato, ed è l’Orientamento lacaniano.Interverranno, fra gli altri: – Umberto Croppi (Assessore alla Cultura del Comune di Roma) – Claudio Cecchini (Assessore alle Politiche sociali e per la Famiglia della Provincia di Roma) – Guerino Di Tora (Vescovo Ausiliare di Roma, già Direttore della Caritas Diocesana di Roma) – Sandro Medici (Presidente del X Municipio del Comune di Roma e giornalista) – Anna Oliverio-Ferraris (Docente di psicologia dell’età evolutiva presso l’Università La Sapienza di Roma e Direttore della Rivista Psicologia Contemporanea) – Stefania Marinelli (Psicoanalista di gruppo (IIPG), caporedattore della rivista “Funzione Gamma” e Professore associato di psicologia clinica presso l’Università La Sapienza di Roma) – Federico Bianchi di Castelbianco (Direttore dell’Istituto di Ortofonologia di Roma) – Felice Cimatti (Docente di Filosofia del Linguaggio presso l’Università della Calabria) – Judith Miller Lacan (Presidente della Fondation du Champ Freudien) – Antonio Di Ciaccia (Presidente dell’Associazione Nazionale I Consultori di Psicoanalisi Applicata, Presidente dell’Istituto freudiano)

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Sesta giornata del contemporaneo

Posted by fidest press agency su lunedì, 4 ottobre 2010

Bergamo 9 ottobre 2010 Via San Tomaso, 53 AMACI L’evento, in programma  vedrà  i musei AMACI e 1000 realtà dell’arte contemporanea in Italia aprire gratuitamente al pubblico i loro spazi,  per un’iniziativa unica nello scenario internazionale.
È Stefano Arienti l’artista che AMACI, l’Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani, ha scelto per realizzare l’immagine guida della sesta edizione della Giornata del Contemporaneo, il grande evento annuale promosso dall’Associazione, dedicato all’arte del nostro tempo e al suo pubblico.
La manifestazione, coinvolgerà oltre 1000 realtà del contemporaneo in Italia, nelle prime cinque edizioni. Ha registrato un crescente successo, che l’ha portata nel 2009 a superare gli 800 aderenti e a coinvolgere, nell’arco di sole ventiquattro ore, oltre 130.000 visitatori su tutto il territorio nazionale.
Cristalli è il titolo dell’opera inedita che Stefano Arienti ha creato appositamente per la manifestazione.
UniCredit si riconferma Main Partner della Sesta edizione della Giornata del Contemporaneo che si avvale inoltre del sostegno della PABAAC – Direzione generale per il paesaggio, le belle arti, l’architettura e l’arte contemporanee del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e del contributo di Terna Spa. Sono inoltre partner dell’evento Intermedia Broker SpA (Partner Sostenitore) e la Regione Toscana (Partner Amico). (www.amaci.org). (stefano arienti)

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La Giornata del Contemporaneo

Posted by fidest press agency su domenica, 3 ottobre 2010

Gibellina (TP) Baglio Di Stefano  Inaugurazione delle mostre 9 ottobre 2010 ore 18 della Fondazione Orestiadi di Gibellina. Mostra a cura di Giulia Ingarao Coordinamento scientifico di Enzo Fiammetta Assistenza alla curatela e catalogazione archivio Samonà Sarah Di Benedetto.
Le mostre saranno visitabili fino all’8 novembre 2010 Orari d’apertura: da martedì a domenica dalle 9 alle 13; dalle 15 alle 18 (ingresso libero). Si propongono:
•    l’antologica “Pupino Samonà. EnergiaLuce”;
•    la presentazione delle nuove acquisizioni della collezione d’arte contemporanea della Fondazione Orestiadi di Gibellina;
•    la video installazione “Tierra Sin Males” dell’artista americana Susan Kleinberg
•    “Pupino Samonà – EnergiaLuce 1950-2007”
L’antologica “Pupino Samonà. EnergiaLuce 1950-2007” espone 40 opere di Pupino Samonà, scomparso nel 2007 a Palermo dopo aver vissuto a Roma per più di 60 anni. La mostra presenta opere che vanno dal 1950 al 2007 per ripercorrere, attraverso una selezione concreta, le diverse tappe del ricco itinerario dell’artista: gli incontri, le collaborazioni, le sperimentazioni. Accanto ai più noti aerografi su tela di grande formato, alle stoffe e al materiale documentario (tra cui manifesti degli anni Settanta disegnati da Samonà), verrà  esposta una selezione di disegni inediti recentemente ritrovati e catalogati dall’archivio Pupino Samonà. Una sezione d’approfondimento sarà inoltre dedicata al Memoriale Italiano di Auschwitz (1978-80), opera che Pupino Samonà ha sempre considerato tra i lavori più importanti realizzati nella sua lunga carriera pittorica.
L’antologica “Pupino Samonà. EnergiaLuce 1950-2007” è un omaggio alla prolifica ed intensa produzione dell’artista che può definirsi “indipendentista” e che nonostante la sua scelta di restare ai margini del sistema dell’arte nel 2005 ha ricevuto il “Premio per la cultura – Sezione Arte”.
•    Saranno presentate le nuove acquisizioni  della collezione d’arte contemporanea della Fondazione Orestiadi di Gibellina, frutto delle donazioni degli artisti Letizia Battaglia, Giusto Bonanno, Gaetano Cipolla, Chiara Dynys, Ugo Ferrero, Gabriella Patti, Lorenzo Viviano.
•     L’artista americana Susan Kleinberg presenta la video installazione “Tierra Sin Males” già proposta alla Biennale di Venezia del 2009. Una video-performance nella cui proiezione, la terra della Kleinberg subisce rotazioni, fratture, blocchi, contro ogni possibile legge della fisica, fino a riproporre l’immagine centrale della clip: una linea di confine tra Messico e Stati Uniti, simbolo di un viaggio inteso non come fuga ma come passaggio verso la libertà. (energia, letizia, kleinberg)

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Ezio Farinelli: Antologica

Posted by fidest press agency su lunedì, 20 settembre 2010

Venosa (Pz) fino al 6/11/2010 Piazza Orazio n. 25, Galleria 25La “Galleria 25” di Venosa si appresta ad ospitare un’interessante esposizione di opere del maestro Ezio Farinelli, esponente di rilievo nel panorama artistico contemporaneo, rappresentativo della “nuova figurazione” italiana.
Nato a Rieti nel 1937, Ezio Farinelli vive ed opera a Roma dal 1960. Sin da giovanissimo ha manifestato una sensibilità pittorica non comune. Oggi Farinelli padroneggia uno stile intenso e personale e possiede una straordinaria maestria nel gestire gli impasti cromatici. Colorista irruente e luminoso, e’ portato ad affrontare difficili esperimenti in bilico tra figura e astrazione, tra naturalismo e metafisica. È il colore il protagonista dominante delle tele di Farinelli, nei vari gradienti dell’azzurro, del verde, dell’arancio, per arrivare al rosso assoluto. Colore che diviene paesaggio, paesaggio che si fonde nel colore.  La mostra allestita presso la “Galleria 25” e’ un’occasione imperdibile per ammirare le donne sensuali e affascinanti ritratte da Farinelli e potrà essere visitata fino al prossimo 6 novembre, negli orari di apertura dalle 17.30 alle 21.00, tutti i giorni escluso il lunedi’. (ezio farinelli)

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Mostra collettiva: Oriente e occidente

Posted by fidest press agency su lunedì, 30 agosto 2010

Roma Galleria Tondinelli Via Quattro Fontane, 128/a Inaugurazione: lunedì 13 settembre 2010 ore 19.00-21.00 (durata mostra: 13 settembre-9 ottobre 2010) La Galleria Tondinelli presenta in occasione della Giornata del Contemporaneo promossa dalla AMACI, L’Associazione Nazionale dei Musei di Arte Contemporanea d’Italia, la mostra collettiva Oriente e occidente Espressioni di Arte Contemporanea con opere di Yusuf Arrakal, Aihara Misa, Annemarie Murland, Teresa Picornell, Louis Schiavo a cura di Costanzo Costantini e Floriana Tondinelli. Gli artisti selezionati per l’esposizione presenteranno al pubblico le loro opere come testimonianze di arte contemporanea del proprio paese e non solo. Yusuf Arrakal (India), nato a Kerala, il giovane Arakkal perde entrambi i genitori da bambino. I suoi primi anni di lotta per affermarsi, la sua sensibilità verso l’ambiente sociale, la perdita della dignità umana di fronte alla dura realtà e un desiderio di pace hanno portato a dire: “C’è un angoscioso essere, disturbato e in difficoltà da qualche parte profondo dentro di me. Un essere umano che anela a una esistenza significativa”. E’ la presenza umana che suscita la sua attenzione e suscita il suo spazio creativo interiore. Aihara Misa (Giappone), l’artista giapponese operante a Hunabasi-si che espone per la seconda volta in Italia materializza le sue opere con una pittura emozionale, con pochi colori intensi e con piccoli dettagli, luminosi, rettangoli colorati formano geometrie che ricordano interi quartieri visti dall’alto. Annemarie Murland (Scozia) l’artista scozzese operante in Nuova Zelanda pone al centro della sua ricerca l’elemento naturalistico supportato da una ricerca acuta e sensibile in relazione alla propria identità. Teresa Picornell (Spagna), le opere di Teresa Picornell operante a Palma di Majorca, vogliono comunicarci un racconto un ponte tra passato e presente. Louis Schiavo (Corsica) l’artista corso operante a Bastia usa un linguaggio immaginario nelle sue opere ed esprime le sue impressioni sulla cultura orientale, conosciuta attraverso i numerosi viaggi nell’Africa del Nord con uno stile descrittivo personale e unico. http://www.galleriatondinelli.it  (aihara misa, teresa, yusuf)

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Dialogo transatlantico sulle migrazioni

Posted by fidest press agency su martedì, 16 marzo 2010

Firenze 17 Marzo 2010 alle ore 17:00  Villa La Pietra, New York University Via Bolognese 120  La conferenza approfondisce alcuni degli elementi che distinguono le caratteristiche dell’immigrazione africana negli Stati Uniti e nell’Europa mediterranea. Esperti italiani e statunitensi articoleranno un’analisi delle dinamiche che collocano le popolazioni migranti africane all’interno di specifici spazi socio-economici. Seguirà un dibattito tra i relatori moderato da Annalisa Butticci, Associato del programma Studi africani di NYU e ricercatrice all’Università di Padova. Il dibattito traccerà le fila della comparazione tra le realtà dell’immigrazione africana nelle due sponde dell’Atlantico. I Dialoghi Politici a La Pietra, New York University, mirano a contribuire creativamente al dibattito contemporaneo sulle politiche pubbliche, creando occasioni di discussione intorno ad alcuni tra i temi politici più pressanti e urgenti negli Stati Uniti e in Europa. I Dialoghi vanno oltre i confini disciplinari e il modo di pensare convenzionale, riunendo un ampio spettro di attori, i quali raramente vengono chiamati a riflettere su questioni politiche o a sedere allo stesso tavolo; tra questi vi sono accademici, figure politiche, imprenditori e altri intellettuali d’ambito pubblico, accomunati dallo scopo ultimo di costituire una rete di relazioni ricca e diversificata da una parte all’altra dell’Atlantico.
Maurizio Ambrosini, Professore di Sociologia all’Università di Milano e Direttore dal Centro studi Medì-Migrazioni nel Mediterraneo di Genova, analizzerà il contesto politico italiano nella sua presentazione: La retorica dell’invasione e la domanda di braccia: le politiche italiane nei confronti dell’immigrazione africana
Marcelo Suárez-Orozco, Professore e Co-Direttore del Centro Studi sull’Immigrazione alla New York University, parlerà delle dinamiche migratorie globali – visibili oramai anche in Italia – nella sua presentazione Ripensare le migrazioni nell’età dei vortici globali: la crisi italiana nell’ottica americana
Carola Suárez-Orozco, Professore e Co-Direttore degli Studi sull’Immigrazione alla New York University, discuterà degli effetti che l’immigrazione ha sui micro-nuclei nella sua presentazione: La psicologia dell’immigrazione e la famiglia

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Omar Galliani: “Sguardi”

Posted by fidest press agency su mercoledì, 21 ottobre 2009

Galliani1Francavilla al Mare  (CH)  fino al 25/10/2009 Piazza S. Domenico, 1 Museo Michetti, Ultimi giorni per visitare la mostra “Sguardi” di Omar Galliani, a cura di Giovanni Gazzaneo e Alfredo Paglione. In mostra cinquanta opere molte delle quali inedite tra cui i dodici disegni dedicati a “I Promessi Sposi” che Omar Galliani ha realizzato per illustrare l’Agenda Manzoniana 2010 edita dalla Fondazione Carichieti della città di Chieti. Omar Galliani -scrive in catalogo Giovanni Gazzaneo– è oggi il grande maestro del disegno italiano e lo è perché ha saputo opporsi con coraggio a quel arte moderna e contemporanea che ha negato l’uomo distruggendone il volto. Pochi artisti nel panorama contemporaneo -prosegue Elena Pontiggia- hanno meditato sul valore del disegno come Omar Galliani. Nessuno come lui ha saputo non solo portare l’arte della linea a un superbo magistero espressivo, ma dimostrare che il disegno è la vera opera d’arte totale. La rassegna è promossa e organizzata dall’Assessorato alla Cultura della Città di Francavilla al Mare, in collaborazione con la Fondazione Carichieti e la Fondazione Crocevia di Milano, con il patrocinio dalla Presidenza del Consiglio della Regione Abruzzo e della Provincia di Chieti. Il catalogo, edito da Allemandi, presenta testi critici di Giovanni Gazzaneo, Elena Pontiggia e poesie inedite di Alda Merini, Roberto Mussapi e Davide Rondoni dedicate all’opera di Omar Galliani. (galliani1)

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“Giornata del Contemporaneo”

Posted by fidest press agency su venerdì, 2 ottobre 2009

Roma, 3 ottobre Sala 1, piazza di Porta San Giovanni 10, in occasione della “Giornata del Contemporaneo” (centinaia di eventi artistici in Italia), la Galleria Sala 1, centro internazionale d’arte contemporanea ubicato di fronte alla Basilica di San Giovanni in Laterano presenta una mirata selezione di opere dello scultore molisano Tito Amodei dal titolo “Tito 1964-2005. Pensare la forma”. A cura di Giuseppe Appella. Sarà esposto per la prima volta a Roma “Il grande nudo” del 1964: esordio nella scultura per l’artista. Il percorso prosegue con una rielaborazione della “Grande scultura” del 1987, con uno dei “Semi della forma” del 1995 e si conclude con “Spazio-forma” del 2005. L’iniziativa ha il patrocinio dell’associazione “Forche Caudine” (circolo dei Molisani a Roma) in virtù di un radicato rapporto con Sala 1, concretizzatosi nella promozione di mostre di artisti molisani lungo oltre un decennio. Tra l’altro sarà aperto lo splendido giardino attiguo alla Galleria, con installazioni di artisti contemporanei. L’esposizione rimarrà aperta fino al 3 novembre 2009, orario dal martedì al sabato dalle 16.30 alle 19.30.
Tito Amodei, pittore, scultore, incisore, nasce a Colli al Volturno (Isernia) nel 1926 e vive a Roma. Si diploma all’Accademia di Belle Arti di Firenze, inizia l’attività espositiva, in Italia e all’estero, nel 1964.

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Soqquadro & Vista

Posted by fidest press agency su giovedì, 1 ottobre 2009

fontana elisabettaRoma fino all’8 ottobre 2009 dalle ore 17.00 alle ore 20.30 (zona Colosseo) VISTA Arte e Comunicazione, Via Ostilia 41, Marina Zatta presenterà le opere della mostra Soqquadro Factory. L’evento è realizzato per la Giornata del Contemporaneo indetta dall’AM.A.C.I. (Ass. Musei di Arte Contemporanea Italiani).  Artisti espositori: Elisabetta Fontana, Giorgio Fersini, Valentina Majer, Giovanni Mangiacapra, Andrea Mercedes Melocco, Gloria Tranchida, Lavinia Tucciarelli, Angela Scappaticci, Enrico Zingaretti.   “Vista” è una project gallery dedicata all’arte ed alla comunicazione che nasce dall’esperienza di alcuni giornalisti da sempre impegnati nell’organizzazione di eventi d’arte e cultura. Uno spazio espositivo che si rivolge ai giovani talenti esordienti ma accoglie anche esperienze confermate all’ombra della splendida cornice del Colosseo. In questo luogo l’associazione culturale Soqquadro dedica questo evento espositivo ad alcuni degli artisti più significativi dell’Associazione. In quest’occasione gli artisti hanno elaborato delle opere che hanno tutte come tema la parola Soqquadro.  Nel dizionario Zingaretti alla parola Soqquadro leggiamo: Confusione, scompiglio, grande disordine. La nostra associazione non è stata chiamata così a caso. Vogliono, semplicemente, non seguire le regole del mercato dell’arte, aprire spazi ad esposizioni di artisti nuovi ed innovativi, mescolare arte, cultura e sociale, annullare i confini tra le diverse arti ed i diversi linguaggi del pensiero. (fontana)

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