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Quotidiano di informazione – Anno 29 n° 175

Posts Tagged ‘personale’

Mostra personale d’arte di Patricia M.

Posted by fidest press agency su lunedì, 22 maggio 2017

patriciaMilano 24 maggio 2017 dalle h. 18,30 alle 21,00 e si concluderà il 6 giugno mattina Presso la Galleria d’Arte Contemporanea STATUTO13, in Via Statuto, 13 (corte interna) a Milano, Brera District mostra personale d’arte di Patricia M. a cura di Massimiliano Bisazza. Un mondo di oggetti inanimati popola la creatività di Patricia M, sensibile e talentuosa artista che ama trasmettere al fruitore la propria poetica grazie alla ricontestualizzazione di materiali recuperati dalla spazzatura, dai mercatini…abbandonati. Le installazioni godono di una nuova vita ma riescono a raccontarci il loro passato, lo scorrere del tempo, la loro vita e quella di chi li ha utilizzati e ambiscono a catturare la nostra attenzione a tal punto da renderci così partecipi da subentrare in un loro vissuto “altro” e attuale. Una vecchia macchina da scrivere (“Cut words”), ricoperta di un colore rosso accesso che riporta al pensiero il sangue – sangue della vita ma anche sangue della morte violenta – è nella sala e sembra osservarci. Un paio di forbici è conficcato all’interno e lacerti di parole si intravedono. Quelle parole che possono essere taglienti, violente e spesso manipolate da una società dove la comunicazione veicolata è spesso intrisa di falsità, di ipocrisie. Il rosso della ceralacca può sigillare, sugellare quegli atti scomodi e quelle scomode realtà volutamente celate per evitare l’incontro/scontro con una disagevole realtà che è meglio insabbiare.Un passeggino abitato da bambole e bambolotti, adornato da foglie e piante che possono essere annaffiate in modo interattivo (“Nessuno” è il titolo di quest’opera), sottolineano la cruda realtà di quelle infanzie non vissute; violate, maltrattate, malate…uccise nello spirito e sul nascere ma anche la possibilità di nutrire la vita; scegliendo dunque un percorso che aneli ad un fine costruttivo. E poi, assieme ad ulteriori installazioni e opere – che trattano temi della malattia, dell’incomunicabilità e molto altro ancora, ndr.- , ecco sulla parete “Agua”. Si tratta di fatto di scatti speculari di bambini che attraverso una fase ludica interrazziale si esprimono con quel candore che è tipico della giovanissima età, in quanto tale è ancora puro, inviolato e vero dove l’intento sta rammentare al fruitore quella splendida fase della vita che dovrebbe essere libera da inganni e turbamenti.Una mostra riflessiva, piena di spunti e di contenuti molto attuali – si pensi per esempio al tema della “diversità” – che, vista la loro intensità volgono spesso al riverbero del pensiero o contornano in modo traumatico la nostra contemporaneità più che mai. Una mostra che grazie alla creatività delle arti visive può svegliare la coscienza collettiva, partendo da quella del singolo individuo.

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Personale di Bruno Carati al Louvre di Parigi

Posted by fidest press agency su domenica, 14 maggio 2017

bruno caratibruno carati1Parigi Vernissage Venerdì 9 giugno dalle ore 19 alle 22 (Orario di apertura: sabato h.10-20 e domenica h. 10-19) Sezione espositiva a cura di Sabrina Falzone. Presso Sale del Carrousel – Palazzo del Louvre, Stand B19. Nella storica cornice del Palazzo del Louvre di Parigi sarà allestita la mostra personale del maestro lombardo Bruno Carati, inserita nel contesto della ventesima edizione del Salon “Art Shopping”. Più di diecimila visitatori hanno visitato l’ultima edizione del Salone Art Shopping del Carrousel du Louvre. Nella capitale francese dal 9 giugno, infatti, si svolgerà la fiera internazionale dedicata all’arte contemporanea accessibile all’interno delle Sale del Carrousel nel Palazzo del Louvre. Bruno Carati sarà un grande protagonista di questa ventesima edizione con le sue opere pittoriche dallo straordinario impatto fiabesco.Il prestigioso salone dell’arte contemporanea annovera le gallerie più rilevanti non solo sul territorio francese ma anche in campo internazionale: esse presenteranno le nuove tendenze dell’arte contemporanea selezionando i migliori artisti sulla scena artistica mondiale. (foto. bruno carati)

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Personale dell’artista madrileno José Molina

Posted by fidest press agency su domenica, 30 aprile 2017

Jose Molina1Jose MolinaCaserta. La Reggia di Caserta ospita dal 4 maggio al 3 giugno la grande personale dell’artista madrileno José Molina “Paesaggio dopo la battaglia” curata da Lorenzo Canova. La mostra, organizzata da Deodato Arte di Milano, coordinata da Augusto Ozzella, condivisa e ospitata dalla Reggia di Caserta, si avvale del patrocinio dell’Ambasciata di Spagna in Italia e dell’Instituto Cervantes di Napoli.L’esposizione offre al visitatore un corpus di 30 opere – dipinti, disegni e sculture -, che descrive minuziosamente i linguaggi e i temi cari all’artista e comprende un nucleo di lavori inediti, il ciclo Paesaggio dopo la battaglia, da cui la mostra prende il titolo.Il soggetto della serie è l’uomo con il bagaglio di sentimenti, tensioni, inquietudini che lo caratterizzano e in ogni opera assume sembianze diverse, divenendo la personificazione di uno stato d’animo o di un particolare momento della vita. Una narrazione trasparente, dove convivono ed emerge un senso di speranza e di rinascita, come si osserva nelle opere Il Grande Fratello e La bontà è una caramella dalla quale tutti vogliono strapparne un pezzo, due ritratti in cui le espressività dei visi deformi descrivono i moti interiori rintracciabili non solo nella totalità dell’opera, ma anche nei dettagli degli occhi, delle rughe, nella luce che illumina i volti.
Molina, estremamente attento alla ricerca psicologica e antropologica, sonda l’inconscio e attraverso un personalissimo codice simbolico traduce le pulsioni, gli istinti e compie un viaggio senza tempo che connette passato e presente. I suoi lavori popolati da uomini, demoni, animali, personaggi mitici ed eroi svelano l’identità dell’uomo, ciò che si tende a mostrare e ciò che si è spinti a nascondere. Viene ricomposto un universo fatto da frammenti enigmatici e contrastanti, da soggetti mostruosi e talvolta grotteschi, che ritraggono le innumerevoli sfaccettature dell’umanità.Afferma il curatore della mostra Lorenzo Canova: “L’artista, come un grande romanziere lavora componendo grandi cicli con una lunga e paziente azione che sembra voler costruire una nuova grande ‘Commedia Umana’ composta da capitoli serrati e analitici che attraversano la metamorfica e sfaccettata natura dell’animo umano, i suoi vizi e le sue virtù, in bilico perenne tra peccato e redenzione, tra misericordia e crudeltà”.Lo si evince nelle opere inedite, così come nei cicli storici Predatores, Los Olvidados, Peccati e Virtù, esposti in mostra. In essi la stretta connessione con l’attualità, la politica e il potere sono un passaggio obbligato, rappresentato da un linguaggio metaforico molto forte, come nell’opera Le Formiche II (serie Predatores), dove un uomo saldamente ancorato alla terra con i denti vuole sopravvivere dominando i deboli, o nella tela intitolata Senza cuore, senza occhi (Los Olvidados), in cui un volto senza occhi, trasmette indifferenza, privato della capacità di essere empatico. La serie Los Olvidados si sofferma su figure sconosciute, dimenticate, esseri umani sconfitti, vinti e messi a tacere, inseriti in un contesto dove si privilegiano i peggiori anziché i meritevoli.
Nello sguardo di Molina sul genere umano non manca l’analisi dei peccati e delle virtù, rivisitati in chiave personale e attuale, con esasperazioni di gesti o elementi allegorici che riconducono ai vizi capitali. Così l’Ira è un volto aggrottato con due braccia alzate a pugni chiusi, la Gola diviene il ritratto di un uomo nell’atto di divorare un arto e la Lussuria è rappresentata da numerose lingue che lambiscono il corpo di una donna sdoppiata e coperta da veli leggeri.
Ad essi, nella serie Peccati e Virtù, si aggiungono “nuovi vizi” legati alla società contemporanea fra cui l’indifferenza nei confronti delle responsabilità ben riprodotta nel volto di Un altro giorno in paradiso, e l’avidità di potere ritratta in Il guardiano delle chiavi attraverso una figura dalle sembianze mostruose che sfoggia un’aggressività estrema nel difendere i propri privilegi.L’opera Jose Molina2Pelle fredda ritrae invece chi subisce il peccato e non colui che lo compie, l’uomo rappresentato ha perso tutte le forze e di conseguenza la testa crolla all’indietro in uno stato di totale abbandono.
Un ulteriore approfondimento di queste tematiche è ripreso nelle sculture, realizzate in resina e legno acidificati. Nella serie Morsi l’artista si sofferma nuovamente sul potere inteso come manipolazione e oppressione, in contrapposizione al dialogo e alla comunicazione, quindi bocche, denti e mandibole assumono un ruolo centrale e di forte impatto visivo, ne sono esempio Bunker, Bucefalo e Il Sopravvissuto. Nel gruppo di sculture inedite I feel, caratterizzata da lavori simili a grandi tazze labirintiche con una caratterizzazione umana all’esterno e a spirale all’interno, Molina dona tridimensionalità tattile alle emozioni e agli stati d’animo. Nella scultura Io dubito, che unisce elementi della tradizione egizia, greco-latina e buddista, l’artista mette in luce la possibilità di trovare sempre una via d’uscita anche in situazioni complesse in cui il dubbio pone davanti molteplici scelte.La mostra è accompagnata da un catalogo, in italiano e inglese, edito da Areablu Edizioni. Ingresso mostra compreso nel biglietto della Reggia Appartamenti storici, Parco e Giardino Inglese € 12,00 intero – € 6,00 ridotto Solo Appartamenti Storici (acquistabile quando il parco è chiuso) € 9,00 intero – € 4,50 ridotto La prima domenica di ogni mese Appartamenti storici gratuito Parco della Reggia € 5,00 intero – € 2,50 ridotto – gratis fino a 18 anni. (foto: Jose Molina)

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Personale dell’artista Francesco Bancheri

Posted by fidest press agency su lunedì, 24 aprile 2017

francesco bancheriRoma giovedì 11 maggio 2017 ore 19,30 (11 maggio -14 luglio 2017) Via delle Fosse di Castello 2 (Castel Sant’Angelo-San Pietro) Galleria d’arte Triphè Personale dell’artista Francesco Bancheri. I lavori di Francesco Bancheri testimoniano la linea artistica privilegiata dalla Galleria Triphè: ‘’il figurativo concettuale’’. L’artista utilizza la tecnica del collage ‘’ poetica del frammento’’ che ha lasciato un segno importante ed evidente fin dal 900. Lo stesso Matisse , padre del cut out, utilizzava carta che faceva dipingere prima ai suoi collaboratori per poi applicarla,secondo il suo istinto, sulle tele. Nel caso di Francesco Bancheri, la carta proviene da fonti esterne, talvolta, da opere stesse dell’artista. Da qui si desume come con questa tecnica ad un processo di decostruzione segua un’azione di ricostruzione. L’aspetto della RINASCITA e della RIGENERAZIONE è presente totalmente nelle opere di questo artista, sia in termini di esecuzione tecnica che di contenuti ,soddisfacendo il concetto di eternità, da cui si deduce che francesco bancheri1opera è uguale infinito. La mostra dal titolo RI/CIRCO/LI propone due gruppi di opere idealmente connesse e riconducibili al tema del circo. Al primo gruppo appartengono animali protagonisti dell’arte circense, al secondo gruppo il Colosseo emblema del ‘’panem et circenses’’. Il tutto è reso con una forza coloristica che richiama accenti espressionisti filtrati da un linguaggio che ricorda la Pop Art. In Bancheri questo riferimento rimanda all’idea di un arte che vuole ritornare al territorio; l’utilizzo della carta non è solo quello di un ready made da sfruttare come simbolo di un’immagine consumistica ma, qualcosa di più: i suoi animali e le sue figure sono concrete e non illusionistiche, in quanto non vogliono distogliere l’osservatore dalla realtà, ma suggerire un diverso punto di osservazione nel guardare ciò che ci circonda. Alcune opere di questa serie, delineano nuove figure mentre nel contempo altre compongono immagini astratte. La sintesi nel frammento di carta ,raccoglie in sé , un mondo pieno di spunti e di elementi , sono tutti componenti di una storia che viene scomposta per poi essere ricomposta con un altro significato. La componente dell’imprevedibilità che nasce dal congiungersi dei frammenti cartacei, in Bancheri, inaspettatamente crea nuove forme di vita che si pongono dinnanzi all’osservatore in tutta la loro imponenza.orari: dal martedì al venerdì ( 10.00-13.00/ 16.00-19.00) il sabato (16,00-19,00) (foto: francesco bancheri)

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Personale “Aldo Damioli: Città della mente”

Posted by fidest press agency su venerdì, 31 marzo 2017

città della mentecittà della mente1Milano VS Arte presso storica sede “Appiani Arte”, via Appiani 1 annuncia che la personale di Aldo Damioli è stata prorogata sino al 29 aprile Orari dal martedì al sabato 15.30 – 19.30 Ingresso libero. La mostra è a cura di Elena Pontiggia.
Aldo Damioli (Milano, 1952), tra i maggiori esponenti di una pittura concettuale che affonda le radici nella metafisica di De Chirico, dipinge nelle sue opere città immaginarie, metropoli contemporanee estremamente verosimili nelle architetture, ma ognuna caratterizzata da uno specifico codice estetico che le colloca in una dimensione cristallizzata, dando vita ad atmosfere che esulano dal reale e che vivono nella mente dell’artista. Questi paesaggi urbani, caratterizzati dal sapiente uso della luce e delle forme geometriche, immobili nella loro grandiosità, fanno da sfondo a scene di vita quotidiana in cui l’elemento umano sembra essere avvolto da uno spazio quasi zen, sereno e silenzioso, sospeso in un eterno presente.
Aldo Damioli nasce nel 1952 a Milano, città dove vive e lavora. Negli anni ha avuto un notevole e costante riconoscimento da parte della critica e del pubblico. Ha partecipato a numerose e importanti mostre in Italia e all’estero. (foto: città della mente)

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Mostra personale di Walter Erra Hubert

Posted by fidest press agency su sabato, 18 marzo 2017

breathing in the voidwithin without seriesLucca dal 31 marzo al 23 aprile 2017 (orario mostra: da martedì a domenica 10-19, chiuso lunedì Ingresso libero). L’inaugurazione si terrà alla presenza del’artista venerdì 31 marzo alle ore 17 negli spazi del Lu.C.C.A. Lounge&Underground. L’esposizione è curata da Maurizio Vanni e la mostra nella personale “Studies from the breathing in the void series”, è organizzata in collaborazione con ViDA – Villicana D’Annibale.
“Walter Erra Hubert – scrive il curatore Maurizio Vanni – è consapevole che la pittura può prescindere dalla mimesi della natura e che può attingere una propria forza espressiva attraverso un confronto continuo tra forma, spazio, colore, luce e superficie. Il suo desiderio non è legato alla percezione originale della superficie delle cose, ma alla ricerca del non visibile: un’analisi nell’oltre dove le energie dell’universo e i respiri della materia lo accompagnano in un viaggio verso il segreto del Tutto. Gli elementi delle sue composizioni, privi di riferimenti spazio-temporali, trovano la loro posizione in un ‘vuoto’ che non corrisponde a un semplice palinsesto, ma a una luce soprannaturale in grado di coagulare segni, colore e materia viva”. Quelle dell’artista californiano sono visioni sintetiche, cerebrali e consapevoli, profonde e concrete che ci riportano ad atmosfere primordiali: quasi ingrandimenti macroscopici di forme vitali che da una parte si rifanno all’Informale di Jean Dubuffet e Jean Fautrier, dall’altra alludono a un legame personalissimo con la realtà che, probabilmente, diventa ancora più intenso in relazione alla sua volontà di percepirne l’essenza. Walter Erra Hubert ci propone un percorso di conoscenza e autoconoscenza alla ricerca della verità interiore. Nelle sue composizioni le immagini prendono vita attraverso particolari cromie che scandiscono la materia in una liquida e luminosa trasparenza magnetica che evoca la realtà. “I suoi studi – conclude Vanni – non sono bozzetti o prove, ma corrispondono alle tessere di un mosaico che rende visibile il non visibile: proprio nell’invisibile ognuno può trovare la propria libertà”. (foto:breathing in the void, within without series)

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Personale Campidoglio: entro maggio entrano in servizio 163 nuovi dipendenti

Posted by fidest press agency su sabato, 18 marzo 2017

campidoglioEntro la fine del mese di maggio entreranno in servizio 163 nuovi dipendenti di Roma Capitale. Si tratta delle ultime professionalità da contrattualizzare nell’ambito del piano assunzionale 2016, che già aveva permesso l’ingresso nell’amministrazione di oltre 1.500 unità di personale.E’ quanto rende noto il Campidoglio.
Nell’arco dei prossimi due mesi verrà dunque completato il programma delle assunzioni previste nel 2016, secondo un preciso calendario: entro marzo entreranno a far parte dell’amministrazione capitolina i primi 12 dipendenti, altri 104 arriveranno prima della fine di aprile e gli ultimi 47 nel mese di maggio. Quanto ai profili professionali, stipuleranno un contratto 35 istruttori amministrativi, 9 istruttori economici, 6 istruttori per l’orientamento al lavoro, 9 istruttori dei servizi culturali, 2 istruttori Urp, 50 insegnanti, 24 educatori, 1 dietista, 14 esperti informatici, 1 curatore e storico dell’arte, 3 funzionari per l’orientamento al lavoro, 2 funzionari dei processi di comunicazione e 7 ingegneri. “Dopo aver sbloccato, alla fine dello scorso anno, la lunga vicenda del ‘Concorsone’ – dichiara il delegato della Sindaca al Personale, Antonio De Santis – la giunta Raggi prosegue il suo lavoro per rafforzare la macchina amministrativa del Campidoglio. Ora il nostro impegno è quello di ottenere la migliore allocazione possibile del personale in organico, al fine di garantire una sempre maggiore efficienza delle strutture centrali e periferiche per innalzare la qualità dei servizi offerti ai cittadini”.

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Palumbo (PD):”Revocare ordinanze illegittime raccomandate da Marra”

Posted by fidest press agency su sabato, 11 marzo 2017

campidoglioRoma Capitale. “Apprendiamo che dagli interrogatori del dott. Marra emerge una volontà politica e scelte conseguenti che escludono criteri meritocratici nella scelta degli incarichi e dei compensi dirigenziali”.
E precisa: “Come avevamo denunciato da alcuni mesi, la macrostruttura capitolina è frutto di scelte esclusive fondate sul gradimento politico la cui valutazione è stata affidata in via esclusiva al dott. Marra e ha origine prima ancora dell’elezione della sindaca Raggi.
Nella designazione degli incarichi pertanto non c’è stata alcuna comparazione dei titoli di servizio. Una anomalia denunciata più volte da molti dirigenti.
Le fasi istruttorie della procedura di interpello e le successive valutazioni decisionali che ne sono scaturite non rispecchiano quindi l’oggettiva valutazione dei curricula presentati.
Nella fattispecie si sono registrati casi di dirigenti assegnati in settori diversi da quelli in cui avevano maturato esperienze di servizio e per giunta con titoli professionali non in linea con i compiti assegnati.
Ad oggi a fronte delle suddette irregolarità è sopraggiunto solo il provvedimento di annullamento in autotutela dell’incarico di direttore del Dipartimento Turismo a Renato Marra, disposto dalla sindaca Raggi dopo i rilievi dell’Autorità nazionale Anticorruzione.
Quest’unico atto non rimuove i dubbi e le anomalie sull’iter con cui si è dato corso alla rotazione dei dirigenti capitolini. E’ quindi necessario, al fine di ripristinare legalità, trasparenza e serenità nella macrostruttura capitolina, rimuovere gli atti predisposti dal dott. Marra e controfirmati dalla Sindaca Raggi procedendo rapidamente all’annullamento delle ordinanze sindacali 94 e 95 del 9 novembre 2016 e all’azzeramento delle posizioni dirigenziali sulle quali sono state fatte le assegnazioni degli incarichi. Si avvii quindi in tempi brevi un nuovo iter con procedure trasparenti sulla base di meritocrazia e competenze ”
E’ quanto dichiarato dal Presidente della Commissione Trasparenza Marco Palumbo.

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Prima personale a Bologna di Paolo Ghilardi

Posted by fidest press agency su giovedì, 9 marzo 2017

bolognaBologna sabato 18 marzo 2017, dalle 18,00 alle 20,30, La Galleria SPAZIO TESTONI in Via D’Azeglio 50 inaugura la Prima personale di Paolo Ghilardi. Traiettorie Policrome è il titolo dato all’esposizione dal curatore Alberto Mattia Martini per questa selezione di opere e installazioni rese disponibili dalla Famiglia dell’Artista e dall’Archivio Paolo Ghilardi di Milano.
Nelle varie sale della galleria sono presentate grandi opere di Paolo Ghilardi su tela dei primi anni ’70, installazioni in metallo e tessuto, in plexiglas e vetro con all’interno fogli colorati trasparenti e diversi papier-collage sotto plexiglas degli anni 90, che accompagnano una sua grande installazione ambientale, presentata per la prima volta alla Galleria Ghiringhelli di Milano nel 1976, che occupa interamente la prima sala della galleria, composta da decine di lamine colorate in metallo leggero applicate alle pareti e a pavimento, che avvolgono il visitatore facendolo letteralmente “entrare” nella sua opera.
La ricerca artistica di Paolo Ghilardi è iniziata con l’espressività figurativa, poi si è via, via, sviluppata nelle geometrie, nel quadrato, nelle linee, nella semplificazione del linguaggio pittorico, inteso come sintesi, essenzialità dell’elemento, non per questo priva di contenuti ed emozioni generate in particolar modo dall’uso del colore. Un’espressività, quella di Ghilardi, sempre rigorosa, precisa, minimale, talvolta rigida, ma al contempo spontanea, emozionale e con un’ampia apertura alla dimensione della pura fantasia. Un’arte “percettiva” e aniconica, ma che stimola anche una dimensione intima, un’energia che interagisce tra spazio e tempo. Il suo è un movimento perenne, che lo ha portato nel 1976 a spostare la sua ricerca dalla superficie della tela alla parete, e quindi allo spazio inteso come ambiente, ad una dimensione installativa che analizza la struttura e la geometria come indagine e ridefinizione interna del luogo, non solo espositivo, ma anche come spazio architettonico ricostruito attraverso varie traiettorie di colore. Aspetto questo della sua ricerca molto caro a Ghilardi e che lo porterà ad approfondire questa indagine fino alla sua recente scomparsa.

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Corso aggiornamento personale educativo e docente del Comune di Roma

Posted by fidest press agency su martedì, 21 febbraio 2017

Roma Mercoledì 22 Febbraio 2017, ore 15:30 Aula Magna del Rettorato Via Ostiense 161. Giornata di formazione sul tema Per un Curricolo del Nido e della Scuola dell’Infanzia di Roma Capitale per il personale educativo e docente dei nidi e delle scuole dell’infanzia del Comune di Roma organizzato dal Dipartimento Politiche educative e scolastiche in collaborazione con l’Università Roma TRE. Le attività formative rientrano nell’ambito del Piano di aggiornamento 2016/17 volto al miglioramento della qualità dei Servizi Educativi e Scolastici di Roma Capitale. L’incontro è aperto alla partecipazione di docenti e studenti.Programma 22 febbraio 2017 ore15,30 -19,00
Saluti: Maria Teresa Russo (Dipartimento di Scienze della Formazione Università Roma TRE)
Presentazione del seminario: Donatella Ienuso (Dipartimento Politiche Educative e scolastiche, Comune di Roma)
Intervento: Laura Moschini (Roma Tre,) Esercizi di cittadinanza: spazi, tempi, cose Proiezione video realizzato a cura del Dipartimento Politiche Educative e scolastiche, Comune di Roma
Intervento: Stefano Zucca (Roma Tre) Un curricolo una continuità educativa. Prospettive teoriche per un continuum di qualità.
Interventi dal pubblico, discussione, considerazioni.

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Corso di aggiornamento personale educativo e docente del Comune di Roma

Posted by fidest press agency su martedì, 14 febbraio 2017

campidoglioRoma Mercoledì 15 Febbraio 2017, ore 15:30 / 16 Febbraio 2017 Aula Magna di Architettura Largo G.B.Marzi, 10 si terranno due giornate di formazione sul tema Per un Curricolo del Nido e della Scuola dell’Infanzia di Roma Capitale per il personale educativo e docente dei nidi e delle scuole dell’infanzia del Comune di Roma organizzato dal Dipartimento Politiche educative e scolastiche in collaborazione con l’università Roma TRE. Le formative rientrano nell’ambito del Piano di aggiornamento 2016/17 per Insegnanti delle Scuola dell’Infanzia ed Educatori/trici dei Nidi comunali volto al miglioramento della qualità dei Servizi Educativi e Scolastici di Roma Capitale.
Il giorno 16 è prevista la presenza della Direttrice del Dipartimento di Architettura, Elisabetta Pallottino, e dell’assessora alla Persona, Scuola e Comunità solidale del Comune di Roma,Laura Baldassarre. L’incontro è aperto alla partecipazione di docenti e studenti.
Programma
15 febbraio 2017 ore15,30 -19,0 0Saluti: Maria Teresa Russo (Dipartimento di Scienze della Formazione Università Roma TRE) Presentazione del seminario: Donatella Ienuso (Dipartimento Politiche Educative e scolastiche, Comune di Roma)Intervento: Laura Moschini (Roma Tre,) Esercizi di cittadinanza: spazi, tempi, cose Proiezione video realizzato a cura del Dipartimento Politiche Educative e scolastiche, Comune di RomaIntervento: Stefano Zucca (Roma Tre) Un curricolo una continuità educativa. Prospettive teoriche per un continuum di qualità.
Interventi dal pubblico, discussione, considerazioni Conclusioni
16 febbraio 2017 15,30-19Saluti: Prof.ssa Elisabetta Pallottino, Direttrice del Dipartimento di Architettura Dott.ssa Laura Baldassarre, Assessora alla Persona, Scuola e Comunità solidale del Comune di Roma (in attesa di conferma) Prof.ssa Maria Teresa Russo (Dipartimento di Scienze della Formazione Università Roma Tre)Presentazione del seminario: Carla Piazza (Dipartimento Politiche Educative e scolastiche, Comune di Roma)Intervento: Laura Moschini (Roma Tre,) Esercizi di cittadinanza: spazi, tempi, cose Proiezione video realizzato a cura del Dipartimento Politiche Educative e scolastiche, Comune di Roma
Intervento: Stefano Zucca (Roma Tre) Un curricolo una continuità educativa. Prospettive teoriche per un continuum di qualità. Interventi dal pubblico, discussione, considerazioni. Conclusioni

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Personale di Giuseppe Gabellone

Posted by fidest press agency su venerdì, 27 gennaio 2017

gabellone.jpggabellone1.jpgRoma 4 maggio, ore 18.30 Via Fontanella Borghese 56b inaugurazione e per il pubblico 5 Maggio – 15 ottobre 2017 12.00 -19.00 Ingresso libero. personale di Giuseppe Gabellone (Brindisi, 1973), a cura di Francesco Stocchi, confermando il desiderio di promuovere l’arte contemporanea attraverso produzioni site-specific e opere inedite.
Caratterizzata da un deciso rigore formale e da un approccio sperimentale ai diversi linguaggi della pratica artistica, dalla fotografia alla scultura, l’intera ricerca di Gabellone è rivolta a una riflessione sull’uso dello spazio e alla relazione con i suoi diversi aspetti sensoriali e temporali. L’opera dell’artista si concentra sull’analisi dello spazio espositivo, sul ruolo dell’artista e di quei meccanismi capaci di attivare una trasformazione all’interno di un sistema apparentemente chiuso. Di forte impatto visivo, gli interventi di Giuseppe Gabellone pensati per gli spazi della Fondazione intendono rompere la tradizionale separazione tra naturale e artificiale, tra spazio interno ed esterno: un serrato dialogo tra opposti che pone al tempo stesso l’attenzione sul fare scultoreo. Il visitatore, inizialmente disorientato, si trova al centro di una assenza risaltata dall’illuminazione esterna, come fosse un palcoscenico. In un ritmo speculativo tra verticale e orizzontale è possibile modellare uno spazio per “per forza di levare”, lasciando le opere affacciarsi e liberarsi fino a creare nuovi luoghi all’interno dello stesso spazio.
gabellone2.jpgGiuseppe Gabellone vive e lavora a Parigi. Tra le mostre personali: GAMeC Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo (2013), Domaine de Kerguéhennec, Bignan (2008), Museum of Contemporary Art, Chicago (2002) e Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino (2000). Tra le mostre collettive: Kunstmuseum Liechtenstein; Centre Pompidou, Paris; Museu Serralves, Porto; S.M.A.K Stedelijk Museum voor Aktuele Kunst, Ghent; Bonnefanten Museum, Maastricht; Museo d’Arte Contemporanea – Castello di Rivoli; Galleria d’Arte Moderna, Bologna; Biennale di Venezia (1997 e 2003); Biennale di Lione (2003); Documenta Kassel (2002); Biennale di Sydney (1998); Biennale di Santa Fe (1997).
Francesco Stocchi (1975, Roma) è curatore del dipartimento di arte Moderna e Contemporanea presso il museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam. È curatore del programma della Fondazione Carriero (Milano) e scrive regolarmente di arte e cultura visiva. Francesco Stocchi vive a Amsterdam.
La Fondazione Memmo Arte Contemporanea ha sede nelle scuderie di palazzo Ruspoli. Un edificio del XVI secolo nel centro storico di Roma. Nel 2012 la fondazione ha avviato un programma espositivo interamente dedicato al panorama artistico contemporaneo. (foto: gabellone)

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Personale di Francesca Leone

Posted by fidest press agency su giovedì, 26 gennaio 2017

gratafrancescaleone“Giardino” è una mostra complessa che sfrutta la ruvidità di un linguaggio essenziale, crudo, violento, per esprimere una poesia della quotidianità; una mostra che realizza un allestimento minimale, capace di utilizzare la scenografia asettica delle sale museali per comporre una recita di assoluto realismo.All’ingresso del Museo, per tutta la durata della mostra, sarà posta una grande grata dove i visitatori potranno contribuire a realizzare la “loro” opera inserendovi piccoli oggetti di scarto.
Francesca Leone nasce a Roma dove vive e lavora. Inizia la sua attività espositiva nel 2007 con una mostra ai Musei Capitolini, alla quale segue la sua prima personale dal titolo Riflessi e riflessioni al Loggiato di San Bartolomeo di Palermo nell’aprile del 2008. Alla fine dello stesso anno Palazzo Venezia a Roma le dedica una mostra personale dal titolo Primo Piano che sarà replicata nel 2009 a Castel dell’Ovo a Napoli. Nello stesso anno è invitata a esporre al Museo d’Arte Moderna e Contemporanea (MMOMA) di Mosca e nominata Membro Onorario dell’Accademia Russa delle Belle Arti. Partecipa alla Biennale di Venezia nel 2011 e nel 2013. Nel 2014 è protagonista di tre personali al MAC – Museo di Arte Contemporanea di Santiago del Cile, al MACBA – Museo di Arte Contemporanea di Buenos Aires e al Museo dell’Accademia di Belle Arti di San Pietroburgo. Nello stesso anno è presente al PAN – Palazzo delle Arti di Napoli con la mostra Corpo Terra. Il 2015 si apre con una mostra personale a Singapore e si chiude con la monumentale esposizione “Our Trash” a La Triennale di Milano.MACRO via Nizza Orario: da martedì alla domenica ore 10.30-19.30 (la biglietteria chiude un’ora prima) Chiuso il lunedì Tariffa intera: non residenti 11,00 €, residenti 10,00 €. Tariffa ridotta: non residenti 9,00 €, residenti 8,00 €. MACRO via Nizza + MACRO Testaccio Tariffa intera: non residenti 13,50 €, residenti 12,50 € Tariffa ridotta: non residenti 12,50 €, residenti 11,50 €.

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Mostra personale d’arte di: Marcello Maugeri

Posted by fidest press agency su lunedì, 16 gennaio 2017

maugeriMilano 25 gennaio 2017 dalle ore 18,30 alle ore 21,00 In mostra, a cura di Massimiliano Bisazza, fino al 7 febbraio 2017 mattino Galleria d’Arte Contemporanea STATUTO13 Via Statuto, 13 ( corte int.) Apertura al pubblico: dalle h 11 alle h 19 dal martedì al sabato. Marcello Maugeri torna a esporre a Milano, in Brera, presso Galleria STATUTO13 e lo fa sempre con quella concettualità sottile che porta il fruitore ad osservare le sue opere d’arte ma soprattutto a riflettere sui contenuti e sui messaggi metaforici e allusivi.
L’indagine della nostra società, veloce e stanca, attenta ai dettagli ma noncurante delle reali esigenze umane; è sempre al centro dell’interesse dell’artista. Si tratta di una forma di “concettualismo periferico” secondo la sua personale lettura trasversale degli eventi che si stagliano vorticosamente di fronte a noi, giorno dopo giorno.
Maugeri, da sempre affascinato dalla comunicazione globalizzata e dagli effetti che spesso sono impattanti sul singolo individuo; ci presenta un nuovo progetto, raffinato e colto come di consueto nel dipanare la sua poetica ma lo fa sorprendendoci ancora e con quell’incessante originalità che lo contraddistingue.La dicotomia di questo progetto vuole porci di fronte all’ “IO” in quanto tale ma in modo del tutto impersonale – “IM_PERSONALE” appunto – poiché già vissuta da altri artisti che ne hanno dato una lettura soggettiva; ma anelando a una fonte personalizzata da Maugeri stesso; palesata, evidenziata dalla sua creatività artistica e percezione sensoriale.Decide presentare questo lavoro intellettuale ed estensivo tornando alla materia ferrosa. Quella stessa materia che potremmo definire archeologia industriale, ma che l’artista ri-utilizza ( si pensi volutamente alla Scuola di Duchampiana memoria..), rielabora secondo una nuova lettura espressiva. Ci troveremo di fronte al telaio di una vecchia Vespa ricontestualizzato da Maugeri dunque, piuttosto che davanti a un pezzo di legno corroso dal mare o dalla natura. L’interesse volge quindi volutamente all’oggetto ferroso usato e riutilizzato, rovinato dal tempo e non solo da ciò che è biomorfico. Poi “strizza l’occhio” alle componenti animali, come ad esempio alla pelle di boa, di mucca, al coccodrillo in quanto esserei viventi che generano materie prime. Tutto questo pone un evidente contrasto con la componente ferrosa esposta anch’essa in mostra e generando stupore, curiosità, voglia di lasciar andare la fantasia, divagare in modo libero e al di là delle singole “personalizzazioni” o percezioni che ne derivano…viaggiando metaforicamente col pensiero in un mondo “altro” an-estetizzante. (foto: maugeri)

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Personale: Campidoglio, 191 nuovi dipendenti entro fine anno

Posted by fidest press agency su martedì, 13 dicembre 2016

campidoglioEntro la fine del 2016 il Campidoglio procederà all’assunzione di 191 nuove unità di personale, individuate tra i vincitori del maxi-concorso. E’ quanto prevede la delibera approvata oggi dalla Giunta capitolina. I dipendenti che entreranno a far parte dell’amministrazione si aggiungono ai 485 vincitori del cosiddetto “concorsone” per i quali a ottobre erano state sbloccate le assunzioni, che si perfezioneranno sempre entro l’anno.”Dopo aver risolto la vicenda del ‘concorsone’, incagliata da anni tra sospetti e promesse non mantenute, e dopo aver sbloccato il pagamento del salario accessorio dei dipendenti capitolini, continua il nostro impegno per rendere sempre più solida ed efficiente la macchina amministrativa – afferma il delegato della sindaca al Personale, Antonio De Santis – Parallelamente, prosegue incessante la nostra lotta agli sprechi: le risorse per le nuove assunzioni derivano infatti dai risparmi effettuati in particolare sugli incarichi dirigenziali esterni”. Ammontano a oltre 3 milioni di euro i fondi destinati a questa integrazione del piano assunzionale, sostanzialmente derivanti dalla riduzione dei comandi da altre amministrazioni e dei contratti a tempo determinato ex art. 110. Tra le figure professionali che entreranno in servizio ci sono 105 istruttori amministrativi, 30 funzionari per i servizi di orientamento al lavoro, 20 istruttori per servizi culturali turistici e sportivi, 14 istruttori servizi orientamento al lavoro, 10 esperti in sviluppo servizi informatici e telematici, 5 dietisti, 5 funzionari dei processi comunicativi e informativi, 2 funzionari di biblioteche. “Pur in un quadro normativo ingessato, abbiamo garantito i diritti spettanti ai vincitori del ‘concorsone’ – aggiunge De Santis – e l’amministrazione lavorerà per dare continuità al processo in atto. L’auspicio è che anche dal nuovo Governo arrivino segnali che vadano nella direzione di un giusto riordino delle varie problematiche riguardanti le graduatorie concorsuali nella pubblica amministrazione. Presto, insieme alla sindaca Raggi, incontreremo tutti i nuovi assunti per dare loro il benvenuto in Campidoglio”.

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Personale, Campidoglio: si accelera su regolarizzazione concorso per 136 architetti

Posted by fidest press agency su giovedì, 8 dicembre 2016

campidoglioProsegue l’attività dell’Amministrazione Capitolina riguardante la regolarizzazione delle procedure concorsuali in essere per l’assunzione di personale. Dopo aver sbloccato l’annosa vicenda del cosiddetto “concorsone”, il Comune accelera sulla determinazione della nuova graduatoria relativa al concorso per 136 posti di architetto.Il Dipartimento risorse umane del Campidoglio ha già avviato il procedimento finalizzato alla nuova valutazione della prova scritta del concorso, come disposto dai giudici amministrativi che avevano annullato la graduatoria definitiva obbligando l’amministrazione a determinarne una nuova.L’obiettivo è di concludere nei tempi più celeri possibili la procedura concorsuale, determinando la nuova graduatoria e garantendo così il rispetto del vigente piano assunzionale.
Inoltre, a seguito di istruttoria svolta con l’ausilio dell’Avvocatura capitolina, lo stesso dipartimento capitolino ha preso atto della nullità dei rapporti di lavoro in essere riguardanti otto architetti assunti a seguito del concorso. Nullità sancita dalle pronunce del Tar Lazio e del Consiglio di Stato. Queste unità di personale potrebbero comunque essere riassorbite qualora, a seguito dell’approvazione della nuova graduatoria risultante dalla ricorrezione degli elaborati disposta dalle pronunce giudiziarie, dovessero risultare utilmente collocate nella stessa graduatoria.

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Personale di Elisabetta Rogai

Posted by fidest press agency su mercoledì, 7 dicembre 2016

elisabetta-rogaiSiena, Magazzini del Sale al Palazzo Comunale fino al 27 dicembre 2016. E’ stata inaugurata il 2 dicembre presso i suggestivi ambienti dei magazzini del Sale del Palazzo Pubblico di Siena l’esposizione “Nell’Anima”, personale di Elisabetta Rogai, artista tra le più raffinate della scena artistica nazionale. L’apertura ufficiale avrà luogo alle ore 17,30 alla presenza del Sindaco di Siena Bruno Valentini, dell’Assessore alla Cultura Francesca Vannozzi, del Priore della Contrada della Selva Stefano Marini e di Margherita Anselmi Zondadari. Sarà inoltre presente Cristina Acidini, Presidente dell’Accademia delle Arti del Disegno, già Soprintendente del Polo Museale Fiorentino che ha curato per la mostra un’interessante presentazione critica dei lavori dell’artista Toscana.La mostra è divisa in due parti e si snoda sui due livelli delle magnifiche grotte a mattoni dei Magazzini del Sale:Nel primo livello il tema che dà il titolo alla Mostra “Nell’Anima” è sostanzialmente il ricordo dell’esecuzione da parte di Elisabetta Rogai del Drappellone del Palio dell’Assunta a Siena del 16 agosto 2015. Le opere rappresentano una sorta di work in progress: l’arrivo del materiale, la seta e lo studio, la scelta dei colori e dei vini del territorio, la realizzazione, lo spolvero, la presentazione alla folla, il Giubilo dei contradaioli.
Nel secondo livello, la sezione della mostra è concepita con l’intento di mettere in luce la poetica creativa dell’artista, qui il visitatore potrà scoprire la sua curiosità che la porta ad affascinanti interpretazioni e innovazioni attraverso l’uso del jeans, del canvas, del marmo e soprattutto dell’EnoArte © (personalissima invenzione unica in Italia) che fanno di Elisabetta Rogai una delle artiste più apprezzate del panorama italiano e internazionale.
Cos’è l’EnoArte ©: Dopo anni di studio e molti tentativi, nel 2010, attraverso l’aiuto del professor Roberto Bianchini (docente di chimica organica dell’Università degli Studi di Firenze) Elisabetta Rogai è riuscita a capire come “fissare” il vino sulla tela, un procedimento particolare che dona al quadro una vita vera e propria: sulla tela infatti il vino invecchia ed i colori seguono l’andamento del tempo passando da quelli tipici dei vini giovani (colori vivi come viola e porpora) a quelli che caratterizzano i vini invecchiati (dall’ambra, dal terra di Siena bruciata, dall’arancio alle tonalità più spente).
Dopo la mostra a Siena l’artista sarà inoltre ospite d’onore a Pistoia, invitata da Elena Calabria, Presidente della CNA, in occasione di Pistoia Capitale della Cultura 2017. La mostra, organizzata dal Comune di Siena è stata resa possibile grazie al generoso contributo del Monte dei Paschi di Siena e fa parte del calendario “Tutto il Natale di Siena”. (foto: Elisabetta Rogai)

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Personale Elvino Echeoni: “A cuore aperto”

Posted by fidest press agency su mercoledì, 7 dicembre 2016

elvino-echeon2elvino-echeon1Roma Da sabato 10 dicembre, “A cuore aperto” (vernissage è fissato per sabato 10 dicembre 2016 dalle 18.00 alle 24.00) lo Zodiaco ospita, nella sua splendida cornice di Viale del Parco Mellini, 88/92, la personale tutta da vedere dal titolo “A cuore aperto” con la quale il poliedrico Elvino Echeoni, pittore e scultore, festeggia i suoi 50 anni di vita artistica, presentando la summa di mezzo secolo di lavoro e riflessioni sull’arte. L’esposizione, a ingresso libero e in programma per un intero mese fino al 10 gennaio prossimo (tutti i giorni dalle 18.00 alle 24.00), rappresenta un excursus puntuale nella produzione di quello che critica e pubblico considerano “uno tra i più rappresentativi artisti italiani in campo internazionale” e punta a narrare – attraverso una ventina di tele caratterizzate da stili e tecniche pittoriche tra loro differenti – momenti diversi della sua storia personale e della sua produzione.In mostra un’ampia raccolta di opere nate dall’estro artistico del Maestro che ha scelto di celebrare le sempre verdi emozioni che la pittura e la vita continuano a donargli, come commenta lui stesso, “con coloro i quali hanno condiviso questo mio percorso artistico” e “dedicandolo a quanti non sono più tra noi”.Così, accanto a tele che raccontano le “segrete analogie” tra Freud e Pirandello piuttosto che tra Fellini e Chaplin, sono esposti quadri che proiettano lo spettatore, attraverso le vibrazioni e l’armonia del colore, verso la sintesi pittorica declamata dall’ “Energia vitale”. E nell’antologica non potevano mancare – oltre alle maschere, alle composizioni floreali e alle figure femminili – la serie di astratti ispirati ai “Momenti musicali” e quelli intitolati alla “Realtà virtuale”, in cui il pittore estremizza la tridimensionalità di figure geometriche ad alto contenuto simbolico.“Ero fermamente intenzionato a festeggiare, con un percorso fra le mie tele più rappresentative, i miei 50 anni di vita artistica con amici e colleghi che, fin dagli esordi, mi sono stati accanto nel viaggio della vita, reso ancora più entusiasmante da quando, in seguito all’intervento a cuore aperto subito nel 2009, ho iniziato, oltre che a guardare avanti, a soffermarmi sui ricordi e sulle tante cose che ancora avevo da raccontare e alle quali oggi possono, per fortuna, aggiungersene altrettante”, ha precisato il pittore.Artista istrionico e completo, dotato allo stesso tempo di una spiccata perizia tecnica e di un’instancabile vena creativa, Echeoni è capace di spaziare dalla elvino-echeontavolozza agli spartiti musicali, passando per il restauro, la scenografia, l’incisione, la scultura, e ancora per la composizione di testi e canzoni. Un abile trasformista che a proposito di sé stesso dice “faccio cose diverse e apparentemente non collegate, anche se, a ben vedere, c’è un sottile fil rouge che unisce tutto: canzoni, pittura, tele astratte e ancora quadri di tramonti, notturni, composizioni floreali o volti e corpi femminili”.Ed è proprio quest’impercettibile filo rosso che fa di quest’uomo – da sempre innamorato allo stesso tempo della lucidità e del coraggio sperimentale di Leonardo Da Vinci così come della folle corposità della pennellata di Van Gogh – un funambolo del nostro mondo artistico con una naturale propensione a tentare sempre strade diverse e il coraggio di chi ama rimettersi continuamente in discussione.
Romano, classe 1950, da ragazzo, indeciso fra liceo artistico e conservatorio, Echeoni sceglie di iscriversi a ragioneria e poi di laurearsi in economia e commercio. Intanto, però, si specializza in restauro e tecnica del colore, studia i trattati di Cennino Cennini e si cimenta, a più riprese, nella figurazione classica e nell’astrazione pura.
Outsider generoso e talentuoso, si dimostra un personaggio fuori dagli schemi fin da giovanissimo. Negli anni ’70, insieme all’amico Remo Panacchia, la prima scelta coraggiosa: affiancare, a quello storico di Via Margutta, uno spazio espositivo nel popoloso quartiere di Centocelle, spinto dall’idea di cercare, là dove si respirava il vero decentramento culturale, un’autenticità resa ancora più unica dal difficile clima degli anni di piombo.
In occasione del vernissage, partendo dalle tele dedicate ai “Momenti musicali” e accantonata per un attimo la tavolozza, il Maestro si metterà al pianoforte per celebrare, con i pezzi firmati dagli amici e quelli composti da lui, i trascorsi da musicista e ricordare la professione esercitata fino agli anni della Dolce Vita romana, quelli in cui iniziò con Novella Parigini un indissolubile sodalizio artistico che non si concluse neanche con la scomparsa della pittrice.Nel corso della serata sarà anche proiettato un video in cui si alterneranno le immagini più salienti dell’operazione chirurgica che gli ha salvato la vita e i momenti più intensi del suo percorso artistico e professionale. (foto:Elvino ECHEON)

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“Aria”, personale di Massimo Romani al Centro d’Arte Malagnini

Posted by fidest press agency su martedì, 29 novembre 2016

ariaSaronno (Va) Dal 10 dicembre al 14 gennaio il Centro d’Arte Malagnini di Via Verdi 20/22 ospiterà una personale di Massimo Romani dal titolo “Aria” a cura di Michele Malagnini (inaugurazione sabato 10 alle ore 18).Massimo Romani (Novara, 1968) si è formato nell’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Tra i soggetti ricorrenti delle sue opere troviamo: moto, auto d’epoca, ma anche figure umane, inserite su sfondi dai tratti minimalisti e quasi indefiniti, che le fanno apparire fuori dal tempo. Ha al suo attivo oltre cento esposizioni tra personali e collettive in tutta Italia e all’estero. Le sue opere si trovano in numerose collezioni pubbliche e private.
Il percorso espositivo di “Aria” comprende alcune tele ad olio recenti, raffiguranti volti che riprendono i caratteri della statuaria greca. “Definirli ritratti – scrive la critica d’arte Federica Mingozzi nella nota che accompagna il dépliant della mostra – potrebbe sembrare azzardato, in considerazione del fatto che non vi sono soggetti reali rappresentati; ma poiché il ritratto è anche la descrizione della parte più profonda di qualcuno, si può ben dire che queste tele sono ritratti, perché l’arte di Romani è proprio questo, la precisa descrizione di ciò che ognuno ha in sé”.Le figure si stagliano su sfondi monocromi, dunque fuori dallo spazio e dal tempo. Vi sono, però animali o oggetti che volano sulla scena, scompigliando la perfezione immutabile del soggetto. “Che sia di un aereo o di un insetto – continua – contribuisce a cambiare l’atteggiamento del riguardante nei confronti dei volti, perché la perfezione diviene solo apparente, per lasciare spazio ad un’umanità vera, animando con espressioni diverse i ritratti, di cui si riesce a percepire l’anima”. I volti ritratti da Romani diventano così anime capaci di voli nell’aria, fuori del reale. La mostra osserverà i seguenti orari: da martedì a sabato dalle ore 16.00 alle 19.00 e domenica su appuntamento. (foto: aria)

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“Tredici”, personale di Daniele Cascone nella Galleria Soquadro

Posted by fidest press agency su sabato, 22 ottobre 2016

daniele-casconedaniele-cascone1Ragusa sabato 29 ottobre alle ore 19.00 negli spazi espositivi di Soquadro, in Via Napoleone Colajanni 9-11 si inaugurerà la personale di Daniele Cascone a cura di Susanna Occhipinti e Giuseppe Lo Magno. (resterà aperta fino al 26 novembre e potrà essere visitata da lunedì a sabato, dalle ore 9.30 alle 13.00 e dalle 16.30 alle 20.00.)
«Daniele Cascone – scrive Anna Terranova, autrice di una breve nota critica per la mostra – sceglie delle immagini significative, gli ultimi “controlli” prima dell’opera conclusa, e le usa per raccontare una storia, quella della sua produzione, in due fasi: le opere 2004-2008 e quelle 2009-2016, una sorta di indice in attesa che se ne apra un terza. La prova di stampa rappresenta per ogni fotografo la prova del nove, anticipazione in miniatura di come sarà la foto finale quindi, eccetto la dimensione, identica a quella e per nulla incompleta. La mostra espone “provini” – molti dei quali inediti – rivelatori di una nuova scoperta o dell’evoluzione del gusto dell’autore».«Se nelle prime la commistione tra oggetti e daniele-cascone2corpi – continua Anna Terranova – sembra rispecchiare quella tra disegno, grafica e fotografia, più si va avanti e più le immagini appaiono distillate, spogliate dell’aspetto decorativo e purificate in un dialogo muto tra corpi, oggetti e spazi. Da dettagli quasi incisi si passa a campiture più ampie, a luci più dirette e contesti più reali che non temono di far trapelare il lavoro in studio ma anzi quasi lo esaltano e lo urlano fieramente. Se all’inizio è la tecnica mista a sovrapporre parti di uccelli o maschere ai personaggi rappresentati, nella seconda fase è l’attenzione alla materia e al corpo umano a far sì che i dettagli come fiori, ali, gabbie, animali, rami, nature morte e oggetti si scollino e prendano possesso di uno spazio tutto loro, a bilanciare la composizione». «Dal movimento alla stasi, dai volti in posizione frontale – conclude – si passa ai profili se non addirittura alla posizione di spalle. Sempre meno interessa l’espressione facciale, sempre più gli oggetti si fanno massicci e schiacciano l’uomo. Da decorazioni funzionali prendono sempre più importanza e peso, divenendo ormai protagonisti della composizione» (foto: daniele cascone)

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